Por Darío Gómez González

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Present Tense de Sagittarius, es uno de los discos que más me ha marcado y más veces he escuchado en mi vida. Esta obra es fruto de la alineación de dos estrellas de la música, los cantantes, compositores y productores estadounidenses Gary Usher y Curt Boettcher.

Gary Usher había trabajado en Los Ángeles, California, escribiendo letras para artistas como los Beach Boys, Frankie Avalon o Dick Dale y produciendo a los Surfaris, Gene Clark, los Byrds o The Peanut Butter Conspiracy. A mediados de los años sesenta Usher trabajaba para Columbia Records como productor, según él dice, ochenta horas semanales, cosa que parece un poco exagerada. Llegó a un punto en el que no pudo soportar más el peso de una función tan técnica y tanta carga de trabajo que no le dejaba expresar sus propias necesidades creativas. Entonces decidió dirigir su propio proyecto artístico, Sagittarius, inspirado en su propio signo del zodíaco.

Para ello, reunió a varios músicos de estudio asociados a Columbia Records para formar una banda, como el guitarrista y vocalista Glenn Campbell o el teclista y vocalista Bruce Johnston, que habían hecho varias giras con los Beach Boys. En el disco también participaron compositores como Lee Mallory de The Association o Sandy Salisbury, que luego reconvertiría su carrera para dedicarse a escribir cuentos para niños y por lo que sería más recordado, su novela histórica sobre una familia japonesa en EEUU durante la Segunda Guerra mundial, “Under The Blood Sun”, que sería llevada al cine.

Pero sin duda, el más brillante de todos los colaboradores de Gary Usher fue Curt Boettcher, fundador de The GoldeBriars (con sus hermanas, al empezar la universidad) y productor de The Association, dos grupos que también son muy especiales para mí. Usher conoció a Boettcher en los estudios de Columbia mientras estaba grabando a Brian Wilson. Los dos se quedaron impresionados con sus habilidades cuando, de casualidad, escucharon como producía el single “That’s The Way It’s Gonna Be” de Lee Mallory.

Circula el rumor de que el material que Boettcher estaba produciendo impresionó tanto a Brian Wilson que le hizo abandonar la música surf y el pop más ligero para empezar a crear lo que sería su obra maestra, el disco Pet Sounds. Enseguida, Usher le propuso a Boettcher formar parte de su nuevo proyecto, Sagittarius. Él accedió, y al poco tiempo de empezar a trabajar juntos se dieron cuenta de que había una afinidad especial entre los dos.

Usher estaba acostumbrado a producir música comercial para ganarse la vida, pero la necesidad creativa que le estaba brotando irremediablemente de sus entrañas conjugó muy bien con el espíritu y la sensibilidad angelical de Boettcher. Los dos tenían inquietudes musicales más allá de lo comercial. Empezaron a tomar LSD juntos con la intención de conocerse mejor a sí mismos y, junto a Boettcher, Gary Usher sintió, un gran progreso artístico y espiritual.

En el proceso creativo de Sagittarius, Curt Boettcher aportó tantas ideas que acabó componiendo seis de las once pistas del disco Present Tense y tenía una voz tan espléndida que acabaría cantando en casi todas. Tanto Usher como Boettcher compartieron el rol de productores en este disco.

Todos estos detalles históricos me parece que cuentan una historia bonita e interesante, pero ahora quisiera poner la atención en otra cosa. Este disco me ha fascinado y me ha hecho sentir las más elevadas emociones. Repetidamente me ha hecho sentir un hormigueo especial por todo el cuerpo, me ha reconfortado, me ha recompuesto, me ha hecho sentir conectado con la vida de una manera especial y me ha llevado a estados de alegría y plenitud.

Curt Boettcher y Gary Usher declararon que su intención era hacer que la música le hablase al Yo Superior de los oyentes. Creo que ha funcionado conmigo. Si he escuchado tantas veces este disco es por su capacidad que tiene para recomponerme, elevarme y hacerme sentir feliz y completo.

Si la música puede tener la facultad de hacerle esto a las personas, lo que más me interesa es saber por qué y cómo puedo encontrar el método para crear música con esta capacidad. Para eso, lo más que puedo hacer en este artículo es intentar describir los elementos del disco que más creo que tienen que ver con ésto.

El disco empieza con unas notas que recuerdan al sonido de un harpa acompañadas de un bajo sencillo y la preciosa voz de Curt Boettcher. Suena “Another Time”. La letra, acompañada de unas cuerdas frotadas que arrullan como una nana, dice frases como (y pierden un poco con la traducción, lamentablemente):

“Verás mi cara cuando no estés mirando,
y correrás hacia mí para preguntarme en qué estoy pensando.”

“Tu corazón puede cantar la música que estoy escuchando
y encontrar la manera de responder a todas las preguntas que están en mis ojos.”

“Levantarás tu cabeza y verás el cielo
que te llama a probar tus alas por fin.”

“Las palabras que ahora digo perderán su significado,
porque entonces compartiremos el amor con el que ahora sólo estoy soñando.”

“Serás la polilla que encontró la luz
pero también encontró la muerte.”

Algunos puede que no vean en “Another Time” más que unas simples canciones de amor o, como mucho, un ejercicio de cursilería existencial hippie. Yo, sin embargo, no puedo dejar de ver inspiración divina. La voz de Curt Boettcher parece que quiere ser la de un Dios benevolente con un mensaje maternal y esperanzador. Hay muchos ejemplos de esto.

La segunda canción del disco “A Song to The Magic Frog”, además de la maravillosa música, tiene este fragmento de letra:

“Fugaces con cada momento que pasa
dos gotas en el sol
cambiando nuestro viento
para que siempre tú y yo somos uno.”

Entiendo que hay una ambigüedad permanente por la cual se puede interpretar que son sólo canciones de amor. Yo estoy convencido de que es así, pero entiendo que no es amor humano terrenal, sino Amor con mayúsculas, un Amor espiritual. Estoy convencido de que Curt Boettcher quiso conectar con una voz superior que le permitiese invocar con su música lo más elevado del espíritu humano. Y con mi espíritu lo ha conseguido.

Esa ambigüedad puede estar justificada en la intención de darle a las canciones una lectura superficial en la que pudieran parecer de amor mundano, conveniente para que el público general pudiese conectar mejor con el disco y sus compañeros de Columbia viesen viable el proyecto.

Me parece, sin embargo, muy refutable cualquiera que mantenga que el disco no tiene una clara dimensión espiritual en su mensaje. Para mí lo dejan claro versos como:

“Y las un millón y tres mañanas
cambiarán los juegos ancestrales
veremos a través de nuestras miserias
y sabremos de dónde venimos.”

(The Keeper of the Games)

“Deja tu espíritu libre
enfréntate a las fuerzas desconocidas
ellas no te harán daño
[…]
crees que has encontrado cual es la Verdad
pero la Verdad es
tú no eres real.”

(The Truth is not Real)

En el zodíaco, Sagitario (el nombre del grupo) es el centauro curandero cuya inteligencia superior forma un puente entre la Tierra y el Cielo. No puede caber ninguna duda de la intención de Gary Usher y Curt Boettcher de elevar el espíritu con su música. Tampoco queda ninguna duda en mi corazón de que esta música ha elevado mi espíritu.

¿Cómo es esto posible? ¿Qué le da la música esta capacidad? Creo que hay un misterio enorme detrás de esto que todavía se escapa a nuestra comprensión. Todo lo que me gustaría como músico es poder llegar a hacer música con esta capacidad de elevar el espíritu humano. Si alguien lo siente igual; si alguien cree, como yo, que aquí hay algo importante por descubrir, me encantaría hablar con esas personas de este tema.

Muchas gracias por leerme.

Fuentes
http://albumlinernotes.com/Present_Tense.html
https://www.allmusic.com/album/present-tense-mw0000026086/credits
https://en.wikipedia.org/wiki/Sagittarius_(band)
https://en.wikipedia.org/wiki/Curt_Boettcher
https://en.wikipedia.org/wiki/Gary_Usher
https://en.wikipedia.org/wiki/Graham_Salisbury

Por Sergio Llauger

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¿Para qué sirve el cine? Esta cuestión también poda formularse de otra forma ¿Para qué sirve el arte? Pero en este artículo no quiero meterme en esos berenjenales. El cine ha servido a lo largo da su historia para muchas cosas como por ejemplo: para que Estados Unidos fortaleciese su amistad con Sudamérica (“Los tres caballeros” 1944), para publicitar el “Baby Boom” durante el franquismo (“La gran familia” 1962) o para denunciar una injusticia política (“En el nombre del padre” 1993). También podemos decir que es un mero entretenimiento, una manera de idiotizar al hijo hiperactivo y coñazo que nos da la vara todo el día hasta que le ponemos “Aladín” o “Toy Story 2” por enésima vez, aunque en la época que nos toca es mucho más fácil idiotizarlo con la consola que con una película que le pueda enriquecer y que dentro de unos quince anos recordará con sus colegas todas las escenas riquiñas de esas cintas mientras toma unos cacharros como nos pasa a todos nosotros en la actualidad.

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El objetivo del cine siempre fue muy claro. Contar una historia, sea buena o mala, divertida o aburrida, graciosa o ridícula. Siempre somos testigos de una ficción, de un reflejo de nuestra realidad, una realidad que en la mayoría de los casos mejora y por esa razón nos enamora. Y aquí está el punto al que yo quería llegar: nos enamora. Nos enamoramos de la pantalla desde el primer momento en que el cine nos hace sentir algo. Como dijo un amigo mío una vez: “¿Cómo podemos ser tan vulgares como para ser adictos a las emociones?”. En aquella ocasión él se refería al MDMA pero para el caso es lo mismo. Yo miro a mi filmoteca, por llamar de alguna manera a los cientos de películas que tengo en mi ordenador, como si entrara en una tienda de drogas, cada una de ellas me va a dar una emoción distinta. Hoy me apetece sentir nostalgia, me voy a poner “Hook” y rememorar la muerte de Rufio mientras pienso lo mágico que es vivir y lo mucho que quiero a mi padre, o prefiero pensar que estoy en un bar con mis colegas más gorilas hablando de “Like A Virgin” para luego sentir un montón de adrenalina por mi cuerpo viendo “Reservoir Dogs”, quizás debería brincar en la butaca viendo esa escena de esgrima entre Iñigo Montoya y Westley en “La princesa prometida”. Para todo esto sirve el cine, para sentir. Todos los directores de cine deberían de tener la misma máxima que tenían en la tragedia griega, llegar a la catarsis. La catarsis no es ninguna fantasmada, todos llegamos a ella en algún concierto cuando ya no sabemos que canción esta sonando pero nos movemos en el pogo compulsivamente. En el cine también lo podemos conseguir. La última película que me llevó a ella fue “Whiplash”, película con la que terminé literalmente dándome cabezazos contra la cama solamente por la intensidad de su final. Para esto sirve el cine, para hacernos flipar como si estuviésemos tomando psicodélicos. En definitiva, para sentir.

Por Armando Guerreiro

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Me acuerdo de lo bien que me lo pasé de pequeño en el cine, debajo de mi casa,
viendo”La biblia en pasta” (1984) de Manuel Summers con mi tío. ¡Cuál es mi
sorpresa al ver que este peliculón está olvidado por completo hoy en día! Y no solo
eso; es despreciado a muerte, lo ponen fatal en todas partes. He leído por ahí que
es ”la peor comedia de la época” y un tipo escribe en un blog que ni voy a nombrar
que es ”una autentica vergüenza”. Lo que es una vergüenza es que “8 apellidos
vascos” esté considerada una gran comedia y que sea la más taquillera de la
historia de nuestro cine y “La biblia en pasta” no. Por lo menos los chistes de esta
última son propios.

El director es el padre de David Summers, cantante de Hombres G, responsable de
sus dos películas “Sufre mamón”(1987) y “Suéltate el pelo”(1988). No todo el
mundo es perfecto, pero esta peli no está en el saco de lo infumable, ni mucho
menos.

En esta parodia de la Biblia el diablo es catalán, Adán es punki, el Arca de Noé tiene
limpiaparabrisas y las cebras las rayas pintadas. Está rodada con actores muy
friquis en un solar cerca del aeropuerto de Barajas y para mí es perfecta. Parece ser
que la iban a rodar en Túnez, pero no llegaron a subirse al avión.

Si algún día estás aburrido en casa échale un vistazo. Es como “La loca historia del
mundo” de Mel Brooks pero con humor cañí.

Ignorada y despreciada injustamente, no llego a comprender qué es lo que le pasó a
esta película para ser tan maltratada. Vale que no es Ciudadano Kane pero por lo
menos que se la recuerde con cariño, que es como la hicieron en su día.

Por Carlos Sastre

Ténéré, tienes mi palabra,

que mientras viva,

siempre acabaré volviendo a ti”

Sastanàqqàm – Tinariwen

Un bajo obstinado acompañado por una tenue percusión tribal suena mientras los maestros enrollan los turbantes a sus aprendices. Estos, ya dispuestos y armados con sus guitarras eléctricas, aguardan solemnes ante un mar de dunas el final del estribillo. De pronto, rompe un potente riff de guitarra que nos precipita en un viaje sobrevolando las ondulaciones del Sáhara. Estas sensaciones se agolpan la primera vez que uno ve el videoclip de Sastanàqqàm, del grupo maliense Tinariwen (en este punto, recomiendo al lector que antes de proseguir la lectura se apresure a ponerse de fondo esta canción).

Escuchar a Tinariwen es, en cierto modo, escuchar el “quejío” del pueblo tuareg (sin enterarse uno de nada, ya que el grupo canta en su lengua natal, el tamasheg). Su estilo comenzó a fraguarse durante el exilio de sus fundadores en Argelia y Libia. Edificando sobre los cimientos de su propio folklore, e influenciados por los nuevos sonidos a los que se ven expuestos – desde músicos árabes locales a James Brown o Boney M. -, comenzarían a grabar sus primeros casetes. Estos recorrerían las comunidades tuareg a través del Sáhara, viajando de mano en mano. Y conectarían de inmediato con una generación desarraigada. Y es que, a diferencia de los cánticos tradicionales, Tinariwen no escriben sobre viejos guerreros y leyendas olvidadas. Sus letras hablan de los anhelos del pueblo tuareg, de sus conflictos y de su lucha. Lucha en la que algunos de los integrantes del grupo participaron de primera mano. El líder de la banda, Ibrahim Ag Alhabib, presenció la ejecución de su propio padre durante la dura represión que el gobierno de Mali ejerció sobre los rebeldes tuareg durante los años 60. Más tarde, y tras recibir entrenamiento militar en Libia, él y otros integrantes de Tinariwen tomarían las armas en una nueva revuelta a principios de los 90. Tras firmar la paz con las autoridades malienses, el grupo cambia definitivamente la kalashnikov por guitarras, aunque hasta hoy siguen cantando sobre la tragedia de los tuareg.

Y, por supuesto, también cantan al desierto. La palabra “Ténéré” (desierto, singular de tinariwen) se repite insistentemente en los títulos de sus canciones y, para el oído atento, también en sus letras. Un desierto que siempre fue el sustento del pueblo tuareg y que hoy, en palabras de Tinariwen, “se ha convertido en una tierra de espinas”.

Tinariwen no son, desde luego, unos desconocidos. Por el contrario, desde principios de este siglo gozan de amplia popularidad y de una ajetreada agenda de conciertos. Pero sigue habitando en ellos la semilla de lo auténtico. Su sonido entronca directamente el folklore tuareg con los orígenes del blues, el rock and roll y Jimi Hendrix. Los “roqueros del desierto”, como se ha empeñado en bautizarlos la prensa occidental, llaman a su estilo assouf, nostalgia en tamasheq. Nostalgia por un estilo de vida que poco a poco se esfuma, y por un desierto al que siempre acaban regresando.

 

Por Darío Gómez

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Este año tuve la suerte de poder formar parte de la sexta edición del festival What Is Music, más conocido como WIM. Se trata de un festival de música y artes de diez días de duración que es a la vez un lugar para compartir, aprender, crear y disfrutar de las artes escénicas.

Tiene lugar en Frías, provincia de Burgos, la ciudad más pequeña de España que casi hace frontera con La Rioja y el País Vasco. Es una localidad preciosa rodeada de ríos y cascadas sobre los que está construido un puente medieval. Merece la pena también visitar la calzada romana o las peculiares casas colgantes, aunque sin duda, la joya de la corona es el Castillo de Frías, construido en el siglo XII, que imprime su magia a los conciertos que alberga.

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Dos amigas mías fueron al WIM el verano de 2018 y se quedaron completamente enamoradas. Me insistieron en que me encantaría conocer el festival y que debía presentarme a la convocatoria para la selección de talleres para presentarme como formador de Teatro Playback, pero no pude hacerlo porque en ese momento tenía una carga de trabajo excesiva y no pude gestionarlo.

Me había olvidado del tema hasta que me llegó la noticia de que iba a tener lugar la edición del 2019. Escribí a la organización y, aunque las entradas estaban agotadas, había una plaza para trabajar en el voluntariado de cocina que acepté con mucho entusiasmo.

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Cuando llegué allí me encontré con el equipo de cocina del restaurante vegano sobre ruedas Boom Boom Rest y los voluntarios. El tiempo compartido con ellos en cocina fue maravilloso. Aprendí muchos truquitos de cocina en un ambiente de trabajo ejemplarmente sano, constructivo y familiar.

El gusto de compartir el tiempo de voluntariado con gente que hace que las cosas funcionen a la vez que nos sintamos bien se colmaba sirviendo a comida a los 250 participantes del festival, que recibían lo que les servíamos con sonrisas, simpatía y mucho agradecimiento.

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Ver a 250 personas sonriendo y transmitiendo una sensación tan bella me hizo intuir que la organización del festival estaba haciendo algo extraordinariamente bien para poder lograr construir un ambiente tan bueno como este.

Trazas de este ambiente espectacular de respeto, cariño y confianza pudieron vislumbrarse desde que mis amigas me recomendaron participar en el festival o desde que Claudia, una de las organizadoras, me respondió al correo electrónico con una dedicación y una amabilidad excepcionales, pero vivirlo es otra cosa.

Lo viví en la espiritualidad acogedora del concierto de Lunazar. Lo viví al subirme al escenario en la muestra de Seward, grupo interesantísimo que, por cierto, aprovecho para recomendar y recibir varias felicitaciones muy cariñosas por mi papel en la actuación. Lo viví al llorar como una magdalena en el concierto de Marta Gómez y recibir el abrazo y el cuidado sensible de una persona a la que había acabado de conocer. Lo vivimos todos los que tuvimos el privilegio de estar en Frías esos días, y creo que cualquiera que estuviera allí y me lea puede entender más profundamente que nadie a qué me refiero.

Después de esta vivencia tan especial y positiva me hace plantearme si esto es un festival de música y artes o es algo más. ¿El festival trata realmente sobre música? O, me planteo realmente… ¿Qué es música?
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Por Sergio Llauger

67835398_745712185859744_3999203963822931968_nEl viernes 26 de Julio Contenedor de Mierda nos concedió una entrevista caótica y desordenada a partir de audios de WhatsApp. Quería una nueva entrada para el FritangaZine, pero el calendario veraniego me impedía quedar con ellas. Esta fue la razón por la que me tomé la confianza de enviarles las preguntas por WhastApp. Contenedor de mierda, como viejas amigas de Fritanga Records que son, también se tomaron la confianza de contestarme en un ambiente que casi podría definirlas como banda. Gente pidiendo cartones, espontáneos que contestan preguntas y cacofonías inteligibles en general fue la materia prima de esta entrevista que me recuerda tanto a la ya famosa entrevista que le hicieron al Siniestro Total de
Germán Coppini en lo que creo que es el parque del Castro en Vigo.

 

 ¿Os consideráis un grupo de chicas?

Víctor: Si.

Sara: Es una mierda de pregunta.

 

Anxos: A ver…. É unha pregunta bastante chufa i temos unha canción que se ríe de eso.

 

Víctor: Si, hai unha canción que irónicamente fala de eso.

 

Sara: Que es un grupo de chicas? Pregunto yo mientras clavo mis ojos en tu pupila.

 
 
 
 
Describid vuestro sonido como banda.
 
(Se escuchan gritos y ruídos varios)
 

Miembra del grupo imposible de identificar: MARAVILLOSO.

Sandra: Una mierda.

Anxos: Un poco difícil de definir.

Víctor: Punk.

Sara: Es el sonido de mis sueños. La banda sonora de mi existencia vital.

Victor: De los sueños más húmedos que tenemos. Sueños húmedos con diarrea.

 

 

¿Como veis la escena punk en Galicia?

Víctor: Está guay.

Anxos: Xa estivo mellor.

Víctor: Estuvo mejor, pero podría estar peor. Está Lamprea Explosiva

Sara: Zurraspa, O sudor do tractorista…

Víctor: O sudor do chimpín, O sudor do monociclo, Leo Arremecaghona

Sandra: ¿Hay más sudores?

Víctor: Sí, son bandas tributo que fan eles mismos.

Sara: Rafa Anido es muy punk eh!

Víctor: Es que ¿Que es el punk? ¿Que es escena punk?

Sara: Es que esto no son matemáticas. La cultura no es una ecuación.

Víctor: Pantis es bastante punki.

Sara: Ruben Pantis es súper punk. Si eso no es punk ¿Quién es punk? ¿Fritanga es punk?

Víctor: Sí ¿no? Es que yo nunca entiendo las escenas ¿Que es una escena? Yo no se que es una escena. Es algo tan relativo… ¿La Seara es una escena? Pues no lo se.

Sandra: Yo entiendo como escena a la escena Trap.

Sara: ¿Sabes quien es punk? La Orquesta Panorama. Siguiente Pregunta.

 

¿Creéis que es un buen momento para un proyecto como el vuestro?

Víctor: ¿Es un buen momento para algo en esta vida? Porque yo creo que no.

Sara: El mundo se acaba ¿Tu no viste que nos vamos a la mierda con lo de la contaminación y todas estas cosas? Que más da si nos vamos a la mierda. Ya podíamos estar ahora cagando en un bote que daba igual porque nos vamos a la mierda.

Anxos: Para nos é un bo momento porque nos da gustito hacer esto.

Sara: Es un buen momento porque aún somos jóvenes.

Anxos: Bueno, ya no somos tan jóvenes.

Sara: Pero no tenemos sesenta años. Es un buen momento para todo.

 

¿Para cuando un disco?

Anxos: Para fai dous años.

Sara: ¿Cuando nos lo producís?

Víctor: Producir significa poner pasta. Que los medios los tenemos.

Anxos: Solo vamos a sacar disco en vinilo.

Sara: Tenemos que ser ricos primero.

Anxos: Levamos dous años dicendo que temos que grabar e seguimos tendo que grabar.

Víctor: Sara vive medianamente lonxe.

Anxos: Somos xente moi ocupada con moitos outros proxectos y Contenedor é unha cousa moi libre que temos que facer libremente entonces aún no coincidió grabar, pero xa coincidirá.

Sandra: Si nos quieres escuchar ya hay en el Spotify unos temas guapísimos.

Víctor: Además las escuchas dan dinero. Un céntimo al mes.

Sara: Que produzca el disco Fritanga Records. Poned pasta para hacer el vinilo ¿Conocéis a alguien que quiera hacernos un disco?

Víctor: Es como lo del Galician Bizarre. Nos dijeron “Eh ¿grabáis un tema?” Pues lo grabamos y ellos hicieron lo demás.

 

¿Próximos bolos?

Víctor: Vamos a tocar en el festival del Noroeste el día 8.

Anxos: É un bolo importante con Toundra e Patti Smith.

Sara: Es mi cumpleaños.

Anxos: Polo tanto tamén o cumple de Contenedor de mierda. Cumple catro anos.

Víctor: Eso habrá que decirlo en el escenario.

Anxos: Eu quero levar bigote neste concerto.

Por Helena Tramunt

Cuando escuchas cantar a Fajardo, aunque no sea en un directo, sientes que está justo delante tuya contándote sus secretos; Vulnerable y, en apariencia, transparente, logra transmitir una avalancha de sentimientos e historias en cada canción.

¿Cuánto de autobiográfico o autorreferencial hay en tus canciones?

No te sabría decir con exactitud. Me vienen a la cabeza algunos ejemplos que sí tengo claro que usé mi propia experiencia personal como fondo para ir dando forma a la letra, pero me atrevería a decir que no creo que sean mayoría. Por otro lado, soy consciente de que me cuesta mucho abstraerme del todo para crear desde la nada – lo que suele ser más apetecible y menos doloroso-. Así que algo de uno queda, pero algo de imaginado también.

¿Qué es lo que más te mueve a componer? ¿Cómo suele ser tu proceso creativo?

No tengo certezas para ninguna de las dos cuestiones. Ahora bien, para mí es lo mejor de todo. A un/a músico se le exige que componga – a quienes compongan, claro-, que grabe su obra y que la defienda en directo. De esos tres quehaceres, mi favorito es el primero. Y es que no puedo evitarlo. En el sencillo paso de tomar una guitarra en las manos, ya me piden los dedos buscar nuevas (al menos para mí) sonoridades, nuevos garabatos. De ahí puede que surja una canción o quede ese bosquejo gravitante en el mundo de las ideas, pero es totalmente inherente a mi persona el tratar de llegar a algo que pueda reducir al tamaño de una canción o fragmento de. Y claro, en mi casa siempre hay guitarras a mano…

Tu primer álbum salió en 2010, pero da la sensación de que tenías mucho por contar y cantar desde hace mucho tiempo, ¿es así? ¿Cuánto llevas dedicándote a la música más allá de los trabajos publicados?

Las andaduras de este proyecto pudieron empezar cuando con 10 años empiezo a tomar clases de guitarra en la Asociación de Vecinos de El Charco, barrio con solera de Puerto del Rosario. Esos primeros pasos caminaban la senda del folclore canario. Luego vendrían nociones de solfeo, guitarra clásica, banda eléctrica con amigos del Instituto y una primera demo en solitario que grabo en Gran Canaria, en el Politécnico de Canalejas, con la ayuda de Álvaro Moreno, que por cierto, vive en tierras gallegas actualmente, y que me permite, myspace mediante, dar mis primeros bolos en Madrid a finales de 2007.

¿Algo que hayas aprendido en tu trayectoria que hubieras agradecido saber desde tus inicios?

Desde el principio tuve claro que lo que hago tenía que ir de la mano de lo artesanal, de lo autogestionado. Pero nunca fui consciente hasta que empecé a dar los primeros pasos, de la gente tan maravillosa que me iba a encontrar por el camino.

Y es eso, nos obcecamos tanto en cómo debo hacer, tengo que sonar aquí, debo tocar allá, que se nos olvida la gente. Y no me refiero particularmente a la potencial audiencia, sino a esa gente que conoces gracias a tus creaciones. Tus coplas te han llevado hasta allí y allí estaba un ser que se convierte en héroe para ti. Y ese héroe pasa a ser uno de tus mejores amigos.

A pesar de que tu estilo sigue fresco e intacto, oyendo tu discografía me da la sensación de estar escuchando tres Fajardos distintos: El Fajardo de tu álbum homónimo, el Fajardo de Arrullo magnético, y el Fajardo de todos los temas intermedios. ¿Es sólo impresión mía o realmente conforman tres etapas marcadas en tu trayectoria personal/artística? Y si es así, ¿le tienes más cariño a alguna etapa/algún Fajardo?

Me encanta que hayas hecho esa diferenciación “personal/artística” porque efectivamente en este caso sí que una decisión personal afectó o tuvo su repercusión en decisiones artísticas. Pero permíteme puntualizar algo. En el primer disco incluyo algunas canciones que llevaban acompañándome desde adolescente y a las que doy forma acompañado por músicos increíbles que conocí en mi periplo madrileño. Para el Ep Muñecos ya me he trasladado a Gran Canaria, donde resido actualmente, y viendo la imposibilidad de poder juntar al mismo plantel de colaboradores y/o formar uno nuevo, decido defender los temas yo solo. Para esta ocasión todas las canciones, a excepción de Cena Fría, que es de Rosvita, eran creaciones recientes. Luego mantengo esa inercia y vuelvo a repetir formato con Arrullo Magnético. Es posible que en esta última etapa esté más asentado en mí el factor “en solitario” y eso se haya reflejado en mi manera de componer.

Fuera como fuera, en todas las ocasiones traté que la honestidad estuviera muy presente en todo momento, así que sí, cariño y honestidad siempre.

¿Han estado fraguándose nuevas canciones desde Arrullo magnético?

Sí. Ya tengo un buen puñado. Pronto saldrá a la luz un disco compartido con Arico en el que ambos reinterpretamos cancionero canario. En mi caso he revisitado “El Baile del Tambor”. Y en los últimos conciertos he ido desgranando poco a poco coplas recién salidas del horno. El próximo disco lo visualizo con banda nuevamente. Hasta ahí puedo leer…

¿Qué otros músicos del panorama insular actual admiras?

La falta de espacios donde tocar en directo y de entusiastas que desarrollen sellos y plataformas de apoyo a la música, hace muy cuesta arriba que prolifere una escena musical en condiciones. Digo esto porque ya el simple hecho de mantenerse activo en un territorio tan particular como este, es meritorio de toda mi admiración. Pero me gustaría destacar al ya nombrado y querido Arico y por añadidura a toda la familia de Discos Delejos, sello de nuevo cuño desde Tenerife, capitaneado por el manager Alejo González y el músico Diego Hdez. Al enorme – en todos los sentidos- Daniel Álvarez con su proyecto Best Niagara. A la estupenda saxofonista Alba Gil Aceytuno, que toca fabulosamente en dos proyectos muy interesantes de onda neo o no-jazzera: Zumurrud y Amaguk. Al equipo del Festival Keroxen que se han embarcado como sello hace un tiempo. A la gente de Guineo Colectivo, Chocolate Sexy y Bocinegro, desde Fuerteventura, y Ajeeb desde Lanzarote, demostrando desde islas no capitalinas que no hace falta residir en una gran ciudad para bregar tocando. Y dejo un apartado especial para Ángel Clavijo y José A López con los que tengo la suerte de compartir tiempo, local, canciones y diversiones en Conjunto Podenco.

Y ya que el FritangaZine es una publicación gallega, ¿qué bandas o músicos gallegos (o, en su defecto, del resto de España) te inspiran?

Para mí la escena gallega es una de las más interesantes actualmente. Solo con nombrarte al Colectivo Metamovida ya dispones de un enjambre de bandas que quitan el hipo al más pintado: Cró, Trilitrate, Diola, Guerrera… Por otro lado tienes a Cuchillo de Fuego, Peña, Avecrem, bandas que ya no están en activo como Unicornibot o Fantasmage.. Y seguro me estoy dejando alguna atrás..

¿Contras y pros que te encuentras como músico independiente?

No soy yo mucho de hacer listas de pros y contras. Mi intuición me dice que si algo está hecho con cariño, humildad, honestidad y coherencia tira millas sea del palo que sea.

¿Hacia dónde va tu proyecto? Como dices en Batalla vencida ¿has logrado “matar la deriva”?

Hacia donde me vayan llevando las canciones que hago. La deriva la mato un poco cada vez que nace una nueva coplilla.

Por Sergio Llauger.  Imágenes de Laura Merchán 

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Fritanga Records en coproducción con Sara García Peluqart tiene el placer de presentarles el Teatro Gorrilla. Una programación de artes escénicas que tedrá lugar todos los sábados por la tarde en La Casa de Arriba en el número 23 de Martín Códax (zona Churruca) . Esta iniciativa nace por la necesidad de crear más espacios para las artes escénicas de la ciudad olívica. En Vigo tenemos un gran acceso a la música. Las salas son numerosas y la escena disfruta de muchísima diversidad de géneros y bandas. La música siempre ha disfrutado de una relación de amistad con el ocio. Birrita por aquí y vino por allá ¿Qué os parece si vamos a X concierto después de cenar y ya enganchamos para salir? Eso no ocurre con el teatro ni con la danza. Es cierto que tenemos salas con programación de mucha calidad como la sala Ensalle o la sala Artika, pero quedan a desmano de la zona de ocio de la ciudad. Por esa razón Teatro Gorrilla quiere situarse en Churruca. Si la gente no va al teatro, el teatro irá a la gente. Esto ya se ha hecho antes en la ciudad con grupos como Triatreiros o 8mm. Compañías que han hecho una labor maravillosa a la hora de acercar el teatro a un público que no suele (o solía) ir al teatro. Pero queremos que este espacio sea diferente. Un espacio donde ver teatro danza, performances o números de clown mientras te tomas una caña o al que vas para empezar la noche.

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En este primer fin de semana tendremos la actuación de Mónica Sueiro con su pieza “15 minutos”. Pieza escrita y dirigida por ella misma (y con música original escrita por el señor que está escribiendo ahora mismo). La entrada de todos los eventos de Teatro Gorrilla será a la inversa ¿Qué quiere decir esto? Pues que se pagará a la salida lo que el público crea conveniente. Entre un céntimo y un millón de euros, más de esto nos parece demasiado.

Por Aarón Jamet y Sergio Llauger

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Nuestro colaborador Aarón Jamet nos vuelve a traer su maravilloso Gallimimus. Normalmente aquí tendría que venir una descripción de que es lo que nos trae, pero esta vez ha preferido sintentizarlo en la frase que le da título a este post “La guitarra como forma de vía mística”. Os dejo con Aarón Jamet y su regalo a la humanidad.

Por Sergio Llauger 
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Si el martes os hablábamos del Melona Fest en Compostela, hoy en el FritangaZine os traemos el festival “Nas Verzas” de 85C que se dará lugar el 22 y 23 de marzo en Irmandiños.

¿Qué es 85C?

85C é un colectivo en forma de asociación sen ánimo de lucro, que traballa irmandando mulleres artistas de distintos sectores culturais e localidades coa intención de facer medrar a situación artístico/cultural emerxente. Ata actualidade céntrase en Vigo, pero ten  intención de chegar a outros lugares de Galicia e peninsulares. O obxectivo fundamental é crear conciencia da falta de presenza de mulleres nos festivais, concertos, exposicións, teatros e na escena laboral e pública. Mostramos así novas referentes que saian de estereotipos e que sirvan para as seguintes xeracións

.¿Cuál es el propósito de 85C?

O propósito é unificar ás mulleres galegas no fin de colaborar como grupo e reivindicarse en colectivo. Máis fortes unidas, mostramos a calidade artística das artistas da comunidade, incentivamos a arte emerxente e xuvenil feminino, buscamos encontros faladoiros, invadimos as rúas…Cremos na arte como medio de reivindicación feminista e como arma de revolta. Mamá, queremos difundir artistas!

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¿Qué es Nas Verzas?

Nas Verzas é un festival que fai referencia ao rural galego e o mundo máis underground do garaxe e punk, en forma de concertos de bandas nacionais e internacionais como son S.E.R.P.I.E.N.T.E desde Bilbao, Decibélicas desde Braga (Portugal) e Cheap Lipstick que é a banda local. Unha forma de dar valor á nosa terra, ás nosas sabias e ancestras a través da música punk, considerando todo o que representa este xénero.

¿Por qué un festival de punk?

Este é o segundo ano que facemos este festival centrándonos no punk. Cremos que é unha cultura que vai en contra do establecido, do sistema. O punk tende a mandar mensaxes de reivindicación e de liberación da imposición social marcada. Unha actitude contracultural e que ten referentes feministas na súa música, como son as X-Ray Spex, Bikini Kill, Vulpes ou The Slits. O punk foi esencial na escena cultural feminista, naceron mulleres empoderadas que estaban moi lonxe dos típicos estereotipos feministas dos que se lucraba o pop, por exemplo. Reivindicaban nas súas letras a liberación sexual, a presenza libre nas rúas… e todas por fin podemos gritar de vez en cando que “nos gusta ser unas zorras”. Como case tódolos estilos musicais, este tamén está liderado por homes, tanto no escenario coma no público: pogos con pouca presenza femenina. Reivindicamos unha nova mirada a este xénero e un novo análise

.¿Por qué “Máis duras que os cañotos das verduras”?

O noso lema “máis duras cós cañotos das verduras” fai lembranza ás nosas avoas, esas bravas que loitan cada día na súa casa, no campo, coa súa familia, elas que sufriron a opresión e aínda así, son as nosas referentes en empoderamento e forza. Son o “underground” da esfera familiar, coas que a maioría medramos e que nos ensina a capacidade do noso corpo para a loita.

¿Qué bandas vamos a ver en esta edición?

Como xa mencionamos enriba, as bandas que imos acoller esta fin de semana no barrio de Irmandiños van ser Cheap Lipstick e Serpiente o venres na Sala Doppler a partir das 22.30h e Decibélicas o sábado na Sala Kominsky, tamén a partir das 22.30h.Unha rematados os concertos haberá cada día unha sesión Dj para ir ben quentiñas á cama. O venres será Seilaesencia a encargada de facernos quecer o corpo, e Lakenobaila + amigas deleitarannos o sábado con ritmos do garaxe, rock, punk e electrónicos. A tarde do sábado tamén está ben cargada, cun mercadiño de artistas de diferentes eidos, como é o deseño, ilustración, o fanzine e a artesanía. Ás 17h teremos unha mesa redonda coas bandas do festival máis unha invitada, Heroínas, referentes da cultura punk rock de Galicia, onde debatirán a figura da muller dentro do punk e todo o que queda por sachar nesta eira. Remataremos a tarde cuns obradoiros moi entretidos para toda a familia. Poderemos zuscarlle ao lixo, renovando todo o que atopamos na rúa en forma de materiais decorativos para a nosa instalación que xa estará montada. Por último contaremos cun obradoiro de malabares con Malas Llamas, colectivo de artistas circenses que farán unha demostración do seu espectáculo pola noite ás 21.30

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¿En que va a consistir la instalación que se va a hacer en la calle Irmandiños este fin de semana?

A instalación que temos preparada para eses días vai consistir en materiais reciclados do lixo e todo o que temos por casa que non ten máis uso que o de estar colgado na rúa coma parte do mobiliario urbano. Levamos varios meses recollendo material da rúa para devolvelo a ela en forma de arte, grazas a tódalas máns voluntarias que quixeron colaborar.

Esta acción é unha chamada de atención ao noso consumo excesivo e á capacidade de xenerar lixo coa nosa inconscencia. Á vez, unha reivindicación a facer a rúa nosa, a quen lle pertence, á xente dos barrios.Todo isto transformouse en arte e cores, que adornarán a rúa de Irmandiños ata o cruce con Martín Códax. Non imos falar máis, xa que tedes que descubrilo vós!

¿Cuánta gente está trabajando en este festival y de qué manera?A equipa implicada nesta edición de Nas Verzas é maior que a do ano pasado, xa que nesta ocasión contamos con tres arquitectas, encargadas de elaborar toda a instalación da rúa, varias artistas plásticas e artesanas encargadas da parte do mercadiño, músicos que levaron o apartado das bandas, persoal de audiovisuais, encargadas de filmar e capturar todo durante o festival, unha cociñeira que alimentará a todo o voluntariado e artistas, e por último, toda a xente que foi axudando esporádicamente coa elaboración de materiais para a instalación. 

¿Qué le diríais a nuestros lectores?

Non temos moito máis que dicir do que xa spameamos durante todo este mes! Poucas veces nesta cidade pasan cousas como a que vai pasar esta fin de semana, polo que aconsellamos non vola perdades, vai ser unha bomba artística.